Photographie : Avec l’aimable autorisation du Naturhistorisches Museum

Votre sculpture de l'histoire de l'art, cette minuscule figurine mesurant un peu plus de quatre pouces de hauteur a été découverte en Autriche en 1908. Personne ne sait quelle fonction elle remplissait, mais les suppositions vont de la déesse de la fertilité à l'aide à la masturbation. Certains chercheurs suggèrent qu'il pourrait s'agir d'un autoportrait réalisé par une femme. C'est le plus célèbre des nombreux objets datant de l'âge de pierre ancien.

Photographie : Avec l'aimable autorisation de CC/Wiki Media/Philip Pikart

Ce portrait est un symbole de la beauté féminine depuis sa première découverte en 1912 dans les ruines d'Amarna, la capitale construite par le pharaon le plus controversé de l'histoire de l'Égypte ancienne : Akhénaton. La vie de sa reine, Néfertiti, est quelque peu mystérieuse : on pense qu'elle a régné en tant que pharaon pendant un certain temps après la mort d'Akhenaton – ou plus probablement, en tant que co-régente du jeune roi Toutankhamon. Certains égyptologues pensent qu'elle était en réalité la mère de Toutankhamon. On pense que ce buste en calcaire recouvert de stuc est l'œuvre de Thoutmosis, le sculpteur de la cour d'Akhenaton.

Photographie : Avec l'aimable autorisation de CC/Wikimedia Commons/Maros M raz

Découverte en 1974, l'Armée de terre cuite est une énorme cache de statues d'argile enterrées dans trois fosses massives près de la tombe de Shi Huang, le premier empereur de Chine, décédé en 210 avant JC. Destinée à le protéger dans l'au-delà, l'armée compterait, selon certaines estimations, plus de 8 000 soldats ainsi que 670 chevaux et 130 chars. Chacun est grandeur nature, bien que la taille réelle varie en fonction du grade militaire.

Photographie : Avec l'aimable autorisation de CC/Wiki Media/LivioAndronico

Peut-être la sculpture la plus célèbre de l'Antiquité romaine,Laocoon et ses filsa été découvert à Rome en 1506 et transféré au Vatican, où il réside encore aujourd'hui. Il est basé sur le mythe d'un prêtre troyen tué avec ses fils par des serpents de mer envoyés par le dieu de la mer Poséidon en guise de représailles pour la tentative de Laocoön de dénoncer la ruse du cheval de Troie. Installé à l'origine dans le palais de l'empereur Titus, cet ensemble figuratif grandeur nature, attribué à un trio de sculpteurs grecs de l'île de Rhodes, est sans égal en tant qu'étude de la souffrance humaine.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Wikimedia/Livioandronico2013

L'une des œuvres les plus emblématiques de toute l'histoire de l'art, le David de Michel-Ange trouve son origine dans un projet plus vaste visant à décorer les contreforts de la grande cathédrale de Florence, le Duomo, avec un groupe de personnages tirés de l'Ancien Testament. LeDaviden était une et fut effectivement commencée en 1464 par Agostino di Duccio. Au cours des deux années suivantes, Agostino réussit à ébaucher une partie de l'énorme bloc de marbre extrait de la célèbre carrière de Carrare avant de s'arrêter en 1466. (On ne sait pourquoi.) Un autre artiste prit le relais, mais lui aussi ne j'y ai travaillé brièvement. Le marbre est resté intact pendant les 25 années suivantes, jusqu'à ce que Michel-Ange recommence à le sculpter en 1501. Il avait alors 26 ans. Une fois terminé, le David pesait six tonnes, ce qui signifie qu'il ne pouvait pas être hissé jusqu'au toit de la cathédrale. Au lieu de cela, il a été exposé juste à l'extérieur de l'entrée du Palazzo Vecchio, la mairie de Florence. Cette figure, l'une des plus pures distillations du style de la Haute Renaissance, fut immédiatement adoptée par le public florentin comme un symbole de la résistance de la cité-État contre les puissances déployées contre elle. En 1873, leDavida été déplacé à la Galerie de l'Académie et une réplique a été installée à son emplacement d'origine.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Wiki Media/Alvesgaspar

Reconnu comme l'initiateur du style haut baroque romain, Gian Lorenzo Bernini a créé ce chef-d'œuvre pour une chapelle de l'église de Santa Maria della Vittoria. Le baroque était inextricablement lié à la Contre-Réforme par laquelle l’Église catholique tentait d’endiguer la vague du protestantisme qui déferlait dans l’Europe du XVIIe siècle. Des œuvres d'art comme celle du Bernin faisaient partie du programme visant à réaffirmer le dogme papal, bien servi ici par le génie du Bernin pour imprégner les scènes religieuses de récits dramatiques.Extaseen est un bon exemple : son sujet – Sainte Thérèse d'Ávila, une religieuse carmélite espagnole et mystique qui a écrit sur sa rencontre avec un ange – est représenté au moment où l'ange est sur le point de lui planter une flèche dans le cœur.ExtaseLes connotations érotiques de sont indubitables, notamment dans l'expression orgasmique de la nonne et le tissu se tordant enveloppant les deux personnages. Architecte autant qu'artiste, le Bernin a également conçu le décor de la chapelle en marbre, stuc et peinture.

Photographie : avec l'aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art/Fletcher Fund

L'artiste italien Antonio Canova (1757-1822) est considéré comme le plus grand sculpteur du XVIIIe siècle. Son œuvre incarne le style néoclassique, comme en témoigne son interprétation en marbre du héros mythique grec Persée. Canova a en fait réalisé deux versions de la pièce : l'une réside au Vatican à Rome, tandis que l'autre se trouve dans la cour européenne de la sculpture du Metropolitan Museum of Art.

Photographie : Le Metropolitan Museum Of Art

Si le maître impressionniste Edgar Degas est surtout connu en tant que peintre, il a également travaillé dans la sculpture, produisant ce qui était sans doute l'effort le plus radical de son œuvre. Degas a façonnéLa petite danseuse de quatorze ansen cire (à partir de laquelle des copies en bronze ultérieures ont été coulées après sa mort en 1917), mais le fait que Degas ait habillé son sujet éponyme avec un véritable costume de ballet (avec corsage, tutu et pantoufles) et une perruque de vrais cheveux a fait sensation lorsqueDanseurfait ses débuts à la sixième exposition impressionniste de 1881 à Paris. Degas a choisi de recouvrir la plupart de ses embellissements de cire pour correspondre au reste des traits de la jeune fille, mais il a gardé le tutu, ainsi qu'un ruban attachant ses cheveux, tels qu'ils étaient, faisant de la figure l'un des premiers exemples d'objets trouvés. art.Danseurétait la seule sculpture que Degas a exposée de son vivant ; après sa mort, quelque 156 autres exemplaires ont été retrouvés languissant dans son atelier.

Photographie : Avec l’aimable autorisation du Philadelphia Museum of Art

Alors que la plupart des gens associent le grand sculpteur français Auguste Rodin àLe penseur, cet ensemble commémorant un incident survenu lors de la guerre de Cent Ans (1337-1453) entre la Grande-Bretagne et la France est plus important pour l'histoire de la sculpture. Commandé pour un parc dans la ville de Calais (où un siège d'un an par les Anglais en 1346 fut levé lorsque six anciens de la ville se livrèrent à l'exécution en échange de l'épargne de la population),Les Bourgeoisa évité le format typique des monuments de l'époque : au lieu de personnages isolés ou empilés dans une pyramide au sommet d'un haut piédestal, Rodin a assemblé ses sujets grandeur nature directement sur le sol, au niveau du spectateur. Cette évolution radicale vers le réalisme rompt avec le traitement héroïque habituellement réservé à ces œuvres en extérieur. AvecLes Bourgeois, Rodin fait l'un des premiers pas vers la sculpture moderne.

Photographie : Avec l'aimable autorisation de CC/Flickr/Wally Gobetz

En 1912, Picasso crée une maquette en carton d'une œuvre qui aurait un impact démesuré sur l'art du XXe siècle. Également dans la collection du MoMA, il représentait une guitare, un sujet que Picasso a souvent exploré en peinture et en collage, et à bien des égards,Guitarea transféré les techniques de copier-coller du collage de deux dimensions à trois dimensions. Il a fait de même pour le cubisme, en assemblant des formes plates pour créer une forme aux multiples facettes avec à la fois profondeur et volume. L'innovation de Picasso consistait à éviter la sculpture et le modelage conventionnels d'une sculpture à partir d'une masse solide. Plutôt,Guitareétait attaché ensemble comme une structure. Cette idée se répercuterait du constructivisme russe jusqu’au minimalisme et au-delà. Deux ans après avoir réalisé leGuitareen carton, Picasso a créé cette version en tôle découpée

Photographie : Le Metropolitan Museum Of Art

Depuis ses débuts radicaux jusqu'à sa dernière incarnation fasciste, le futurisme italien a choqué le monde, mais aucune œuvre n'illustre le pur délire du mouvement que cette sculpture de l'un de ses phares : Umberto Boccioni. D'abord peintre, Boccioni se tourne vers le travail en trois dimensions après un voyage à Paris en 1913 au cours duquel il visite les ateliers de plusieurs sculpteurs d'avant-garde de l'époque, tels que Constantin Brancusi, Raymond Duchamp-Villon et Alexander Archipenko. Boccioni a synthétisé leurs idées dans ce chef-d'œuvre dynamique, qui représente une silhouette marchant dans une « continuité synthétique » de mouvement comme la décrit Boccioni. La pièce a été créée à l'origine en plâtre et n'a été coulée dans sa version en bronze familière qu'en 1931, bien après la mort de l'artiste en 1916 en tant que membre d'un régiment d'artillerie italien pendant la Première Guerre mondiale.

Photographie : avec l'aimable autorisation de CC/Flickr/Steve Guttman NYC

Né en Roumanie, Brancusi était l'un des sculpteurs les plus importants du modernisme du début du XXe siècle et, en fait, l'une des figures les plus importantes de toute l'histoire de la sculpture. Sorte de proto-minimaliste, Brancusi a pris des formes de la nature et les a rationalisées en représentations abstraites. Son style a été influencé par l'art populaire de son pays natal, qui présentait souvent des motifs géométriques vibrants et des motifs stylisés. Il ne fait pas non plus de distinction entre objet et socle, les traitant, dans certains cas, comme des composants interchangeables, une approche qui représente une rupture cruciale avec les traditions sculpturales. Cette pièce emblématique est un portrait de son modèle et amante, Margit Pogány, étudiante en art hongroise qu'il a rencontrée à Paris en 1910. La première itération a été sculptée dans le marbre, suivie d'une copie en plâtre à partir de laquelle ce bronze a été réalisé. Le plâtre lui-même a été exposé à New York lors du légendaire Armory Show de 1913, où les critiques se sont moqués de lui et l'ont mis au pilori. Mais c'était aussi la pièce la plus reproduite de l'exposition. Brancusi a travaillé sur différentes versions deMlle Poganydepuis une vingtaine d'années.

Photographie : Avec l’aimable autorisation du Musée d’Art Moderne

Roue de véloest considéré comme le premier des ready-made révolutionnaires de Duchamp. Cependant, lorsqu’il a terminé l’œuvre dans son atelier parisien, il ne savait vraiment pas comment l’appeler. « J’ai eu l’heureuse idée d’attacher une roue de vélo à un tabouret de cuisine et de la regarder tourner », dira plus tard Duchamp. Il a fallu un voyage à New York en 1915 et une exposition à la vaste production de produits manufacturés de la ville pour que Duchamp trouve le terme ready-made. Plus important encore, il a commencé à se rendre compte que faire de l’art de manière traditionnelle et artisanale semblait inutile à l’ère industrielle. Pourquoi s’embêter, a-t-il postulé, alors que des produits manufacturés largement disponibles pourraient faire l’affaire. Pour Duchamp, l’idée derrière l’œuvre d’art était plus importante que la manière dont elle avait été réalisée. Cette notion – peut-être le premier véritable exemple d’art conceptuel – allait complètement transformer l’histoire de l’art à l’avenir. Cependant, tout comme un objet domestique ordinaire, l'originalRoue de vélon'a pas survécu : Cette version est en fait une réplique datant de 1951.

Photographie : Whitney Museum of American Art, © 2019 Calder Foundation, New York/Artists Rights Society (ARS), New York

Un élément bien-aimé de la collection permanente du Whitney Museum,Le cirque de Calderdistille l’essence ludique qu’Alexander Calder (1898-1976) a mise en œuvre en tant qu’artiste qui a contribué à façonner la sculpture du XXe siècle.Cirque, créé pendant le séjour de l'artiste à Paris, était moins abstrait que ses « mobiles » suspendus, mais à sa manière, il était tout aussi cinétique : fabriqué principalement à partir de fil et de bois,Cirquea servi de pièce maîtresse pour des performances d'improvisation, dans lesquelles Calder se déplaçait autour de diverses figures représentant des contorsionnistes, des avaleurs d'épées, des dompteurs de lions, etc., comme un maître de piste divin.

Photographie : Avec l’aimable autorisation du musée J. Paul Getty

En tant que peintre et créateur de tapisseries ainsi que sculpteur, l'artiste français Aristide Maillol (1861-1944) pourrait être mieux décrit comme un néoclassique moderne qui a donné une touche épurée du XXe siècle à la statuaire gréco-romaine traditionnelle. Il pourrait également être décrit comme un conservateur radical, même s'il convient de rappeler que même des contemporains d'avant-garde comme Picasso ont produit des œuvres dans une adaptation du style néoclassique après la Première Guerre mondiale. Le sujet de Maillol était le nu féminin, et dansRepaire, il a créé un contraste entre la masse matérielle de son sujet et la façon dont elle semble flotter dans l'espace, équilibrant, pour ainsi dire, une physicalité obstinée et une présence évanescente.

Photographie : avec l'aimable autorisation de CC/Flickr/C-Monster

Artiste japonaise qui travaille sur plusieurs médiums, Kusama est arrivée à New York en 1957 et est revenue au Japon en 1972. Entre-temps, elle s'est imposée comme une figure majeure de la scène du centre-ville, dont l'art touchait à de nombreuses bases, notamment le Pop Art, le Minimalisme. et l'art de la performance. En tant que femme artiste faisant souvent référence à la sexualité féminine, elle fut également une précurseure de l’art féministe. Le travail de Kusama est souvent caractérisé par des schémas hallucinogènes et des répétitions de formes, une propension enracinée dans certaines conditions psychologiques – hallucinations, TOC – dont elle souffre depuis son enfance. Tous ces aspects de l'art et de la vie de Kusuma se reflètent dans cette œuvre, dans laquelle un fauteuil ordinaire rembourré est englouti de manière troublante par une explosion de protubérances phalliques faites de tissu rembourré cousu.

Photographie : Whitney Museum of American Art, New York, © 2019 Estate of Marisol/Albright-Knox Art Gallery/Artists Rights Society (ARS), New York

Connue simplement par son prénom, Marisol Escobar (1930-2016) est née à Paris de parents vénézuéliens. En tant qu'artiste, elle s'est associée au Pop Art et plus tard à l'Op Art, même si stylistiquement, elle n'appartenait à aucun des deux groupes. Au lieu de cela, elle a créé des tableaux figuratifs conçus comme des satires féministes des rôles de genre, de célébrité et de richesse. DansLes femmes et le chienelle s'attaque à l'objectivation des femmes et à la manière dont les normes de féminité imposées par les hommes sont utilisées pour les forcer à se conformer.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Flickr/Rocor

La Brillo Box est peut-être la plus connue d'une série d'œuvres sculpturales créées par Warhol au milieu des années 60, qui ont effectivement porté son enquête sur la culture pop en trois dimensions. Fidèle au nom que Warhol avait donné à son atelier – la Factory – l'artiste engagea des menuisiers pour travailler sur une sorte de chaîne de montage, clouant ensemble des caisses en bois en forme de cartons pour divers produits, dont Heinz Ketchup, Kellogg's Corn Flakes et Campbell's Soup, ainsi que Eh bien, des tampons de savon Brillo. Il a ensuite peint chaque boîte d'une couleur correspondant à l'original (blanc dans le cas de Brillo) avant d'ajouter le nom du produit et le logo en sérigraphie. Créées en multiples, les boîtes étaient souvent exposées en grandes piles, transformant efficacement la galerie dans laquelle elles se trouvaient en un fac-similé hautement culturel d'un entrepôt. Leur forme et leur production en série étaient peut-être un clin d’œil – ou une parodie – du style minimaliste alors naissant. Mais le véritable point deBoîte BrilloC'est ainsi que son rapprochement avec la réalité bouleverse les conventions artistiques, en laissant entendre qu'il n'y a pas de réelle différence entre les produits manufacturés et le travail d'un atelier d'artiste.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Flickr/Esther Westerveld

Le nom de Donald Judd est synonyme d'art minimal, le mouvement du milieu des années 60 qui a réduit à l'essentiel la tendance rationaliste du modernisme. Pour Judd, la sculpture signifiait articuler la présence concrète de l'œuvre dans l'espace. Cette idée a été décrite par le terme « objet spécifique » et, tandis que d'autres minimalistes l'ont adoptée, Judd a sans doute donné à l'idée son expression la plus pure en adoptant la boîte comme forme de signature. Comme Warhol, il les produit sous forme d’unités répétitives, en utilisant des matériaux et des méthodes empruntés à la fabrication industrielle. Contrairement aux boîtes de soupe de Warhol et aux Marilyn, l'art de Judd ne faisait référence à rien en dehors de lui-même. Ses « stacks » comptent parmi ses pièces les plus connues. Chacune se compose d'un groupe de boîtes identiques peu profondes en tôle galvanisée, dépassant du mur pour créer une colonne d'éléments uniformément espacés. Mais Judd, qui a débuté comme peintre, était tout aussi intéressé par la couleur et la texture que par la forme, comme le montre ici la laque de carrosserie teintée de vert appliquée sur la face avant de chaque boîte. L'interaction de la couleur et de la matière de Judd donneSans titre (pile)une élégance fastidieuse qui adoucit son absolutisme abstrait.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Flickr/Rocor

Comme Benglis, Hesse était une femme artiste qui a filtré le postminimalisme à travers un prisme sans doute féministe. Juive qui a fui l'Allemagne nazie lorsqu'elle était enfant, elle a exploré les formes organiques, créant des pièces en fibre de verre industrielle, en latex et en corde qui évoquaient la peau ou la chair, les organes génitaux et d'autres parties du corps. Compte tenu de son parcours, il est tentant de trouver un courant sous-jacent de traumatisme ou d’anxiété dans des œuvres comme celle-ci.

Photographie : Avec l’aimable autorisation du Musée d’Art Moderne

À la suite de Judd et Flavin, un groupe d’artistes s’est éloigné de l’esthétique des lignes épurées du minimalisme. Faisant partie de cette génération postminimaliste, Richard Serra a mis le concept d'objet spécifique sous stéroïdes, en élargissant considérablement son échelle et son poids, et en intégrant les lois de la gravité à l'idée. Il créait des équilibres précaires de plaques et de tuyaux d'acier ou de plomb pesant des tonnes, ce qui avait pour effet de donner un sentiment de menace à l'œuvre. (À deux reprises, les monteurs installant les pièces Serra ont été tués ou mutilés lorsque l'œuvre s'est accidentellement effondrée.) Au cours des dernières décennies, le travail de Serra a adopté un raffinement curviligne qui l'a rendu extrêmement populaire, mais au début, des œuvres comme One Ton Prop (House of Cards), qui comporte quatre plaques de plomb accolées, a fait part de ses préoccupations avec une franchise brutale.

Photographie : Avec l’aimable autorisation de CC/Wikimedia Commons/Soren.harward/Robert Smithson

Suivant la tendance générale contre-culturelle des années 1960 et 1970, les artistes ont commencé à se révolter contre le commercialisme du monde des galeries, développant des formes d'art radicalement nouvelles comme les terrassements. Également connu sous le nom de land art, la figure marquante du genre fut Robert Smithson (1938-1973) qui, aux côtés d'artistes tels que Michael Heizer, Walter De Maria et James Turrel, s'aventura dans les déserts de l'ouest des États-Unis pour créer des œuvres monumentales qui agi de concert avec son entourage. Cette approche spécifique au site, comme on l'a appelé, utilisait souvent des matériaux tirés directement du paysage. C'est le cas de SmithsonJetée en spirale, qui s'avance dans le Grand Lac Salé de l'Utah depuis Rozel Point, sur la rive nord-est du lac. Fabriqué à partir de boue, de cristaux de sel et de basalte extraits sur place,Mesures de la jetée en spirale1 500 pieds sur 15. Il a été submergé sous le lac pendant des décennies jusqu'à ce qu'une sécheresse au début des années 2000 le fasse remonter à la surface. En 2017,Jetée en spiralea été nommée l’œuvre d’art officielle de l’Utah.

Photographie : Avec l'aimable autorisation de CC/Wikimedia Commons/FLICKR/Pierre Metivier

L'œuvre phare de l'artiste d'origine française,Araignéea été créée au milieu des années 1990, alors que Bourgeois (1911-2010) était déjà octogénaire. Il existe dans de nombreuses versions d'échelle variable, dont certaines sont monumentales.Araignéese veut un hommage à la mère de l'artiste, restauratrice de tapisseries (d'où l'allusion à la propension de l'arachnide à tisser des toiles).

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Lauréat du prestigieux Turner Prize en 1994, Antony Gormley est l'un des sculpteurs contemporains les plus célèbres du Royaume-Uni, mais il est également connu dans le monde entier pour son approche unique de l'art figuratif, dans laquelle s'appuient de grandes variations d'échelle et de style, pour l'essentiel, sur le même modèle : un moulage du corps de l'artiste. C'est le cas de cet énorme monument ailé situé près de la ville de Gateshead, dans le nord-est de l'Angleterre. Situé le long d'un grand axe routier,Anges'élève à 66 pieds de hauteur et s'étend sur 177 pieds de largeur du bout de l'aile au bout de l'aile. Selon Gormley, l'œuvre se veut une sorte de marqueur symbolique entre le passé industriel de la Grande-Bretagne (la sculpture est située dans le pays charbonnier de l'Angleterre, au cœur de la révolution industrielle) et son avenir post-industriel.

Avec l'aimable autorisation de CC/Flickr/Richard Howe

Affectueusement appelé « The Bean » par les habitants de Chicago pour sa forme ellipsoïdale courbée,Porte Nuage, la pièce maîtresse de l'art public d'Anish Kapoor pour le Millennium Park de Second City, est à la fois une œuvre d'art et une architecture, offrant une arche prête pour Instagram pour les promeneurs du dimanche et les autres visiteurs du parc. Fabriqué en acier miroir,Porte NuageLa réflectivité amusante et la grande échelle de cette pièce en font la pièce la plus connue de Kapoor.

Avec l'aimable autorisation de l'artiste et Greene Naftali, New York

Le travail de Rachel Harrison combine un formalisme consommé avec un talent pour imprégner des éléments apparemment abstraits de significations multiples, y compris politiques. Elle questionne avec acharnement la monumentalité et la prérogative masculine qui va avec. Harrison crée la majeure partie de ses sculptures en empilant et en disposant des blocs ou des dalles de polystyrène, avant de les recouvrir d'une combinaison de ciment et de fioritures picturales. La cerise sur le gâteau est une sorte d’objet trouvé, seul ou en combinaison avec d’autres. Un excellent exemple est ce mannequin au sommet d’une forme allongée éclaboussée de peinture. Portant une cape et un masque d'Abraham Lincoln tourné vers l'arrière, l'œuvre évoque la théorie du grand homme de l'histoire avec son évocation du conquérant du monde antique debout sur un rocher couleur de clown..